職人語錄

其實我第三季的課程設計，其中一個目的是想讓大家藉由這套課程認識與理解一首歌的動機。所有演奏的背後都應該有動機，這動機可以是來自編曲本身，可以是來自現場觀眾反應，也可以是演出者當下的對話。

我在演奏爵士樂的時候，我的演奏動機來自於： 1. 歌曲本身 2. 樂手的演奏內容 3. 環境的變化 4. 當下的情緒 5. 內心的想法

你問到說 Blue Monk 怎麼演? 首先你要知道這首歌的內容，因為這會是最重要的動機，大家都是圍繞著這個動機在演出，然後思考鼓手該扮演的角色是什麼。到了即興的部分，觀察每個樂手演奏當下的內容，了解他背後的動機，進而跟他對話，也判斷與歌曲原本動機的關聯性，隨時調整自己的角色，思考是要帶領樂隊還是支持樂隊。

這一切的一切都是發生在當下的，你唯一能夠事先準備的就是你身體的執行能力 (技巧)，以及聆聽的能力 (全盤了解音樂的歷史以及與人溝通的能力)。

所以你問說該怎麼練習？我的答案都會是一樣： 1. 練習技巧到可以隨心所欲的境界 2. 學會生活，學會思考，關心周遭人事物，成為一個更好的人

慢慢的，你就會知道怎麼去演奏任何音樂了

觀念，比技術還來得重要太多。

音樂是一種語言，所有你學習的內容是為了要能夠溝通。我們所有學習的內容都是雙面向的：學習表達自我（大部分人專注的），學習理解對方（大部分人忽略的）。技術，就只是單字，關鍵還是在於你想要表達的內容。你無法理解對方的話語，現象就是你只聽到鼓、你只看鼓譜。

學音樂不是考試，不是你會了就會了。很多東西是練一輩子的，假如你把他當考試你會練得很辛苦，練一練就不知道要練什麼了。

音樂只是人生的一部份，並不是人生的全部。或是正確來說，在各領域的佼佼者，通常都是一個完整的人，因為對生命有完整的體驗，對身邊所有的事物才可以用更完整的角度看待。

學習的時候，去跟你想要成為的人學習。這是大家很常有的盲點。你想學打鼓，你是想要站上舞台？那為何不直接去跟舞台上的人學習？

當音樂到達一個水平的時候，其實已經沒有在區分風格、領域了，最後就單純是藝術。然後這些音樂其實都是發生在你我身邊而已，真的沒有那麼遙遠，只是沒有主流媒體（或是關係）的推廣而已。

其實每次做教學，我還是喜歡講實話，現在有能力又願意講實話的人真的不多了，所以我還是多堅持一下好了，哈哈哈！希望大家今天收穫滿滿，然後不久的將來我們在音樂的舞台上再次相見！

關於音樂學習的本質我們可以簡單分成三個面向。

身體。身體 學習音樂其實跟學習運動/健身沒兩樣，非常多的過程都是在發展肌耐力、建立肌肉記憶，訓練自我對身體的控制。常常很多人問我學了 paradiddle 然後呢？那就跟去健身房跟教練說我深蹲十組了，然後呢？然後就是繼續練呀！因為關鍵不在於你認識了 paradiddle，而是你是否能夠非常漂亮、非常精準、在任何力度、任何音樂場合下都能夠使出來 paradiddle，而這過程就需要超大量練習。要知道練習深蹲的目的是在於，學習身體肌肉控制，讓我們在日常生活之中，像是搬重物、抱孩子（我超需要）、從地板撿東西、避免滑倒等等事物上，能夠更游刃有餘。paradiddle 也是一樣，不是說你演奏的時候要常常演奏出 RLRRLRLL，而是在一些線性的詮釋上，能夠更游刃有餘。

心理。心理 玩音樂其實也很像學習語言，應該說音樂本身就是一種語言，所以你要能夠用音樂對話的前提是，聽懂其他人在講什麼。這是非常非常關鍵的因素，也是非常多人無法進化到下一階段的原因。要能夠把這一部分補齊最主要是兩個面向 - 語言的專業：這部分不用贅述 - 同理心：要真的能夠對話，這比較是人生層面的課題，很多人是因為人生發生了些大事，才長出了同理心，音樂才變得更有深度。我的音樂優勢當然有我的專業，但更重要的是別人喜歡我的詮釋，那才是別人找我真正的主因，而那很大部分都是來自於同理心。

心靈。心靈 每個藝術都有它想傳達的故事，音樂只不過是傳達這個故事的媒介。所以假如你的生命乏善可陳，那有很大的可能是你的音樂不只無法感動自己，也無法感動別人。

最後講到身體：其實根據我玩音樂二十幾年下來的經驗，從金屬玩到拉丁玩到流行玩到爵士，大家最先或是最多卡關的都是在身體層面，因為很多人都以為學會了＝知道了，錯！其實沒有所謂學會了的這件事，應該只有不斷精進的過程。邏輯應該是說你還蠻熟練的，然後明天會更熟練，而不是知道了：知道了 RLRRLRLL 這件事情本身太簡單了，三歲小孩也可以知道。所以關鍵是兩個 - 你知不知道練了這個可以幹嘛（這就非常看老師是否能夠示範/詮釋出來） - 知道上述之後，願不願意像健身一樣，反覆不斷地練習

問得好。

其實不同場合演奏時的出發點應該是一樣的，邏輯都是讓自己聽得舒服，就像你在跟人對話，為了要能夠對話，前提應該是兩個人都能夠清楚聽到彼此的聲音，或是退一步，至少要能夠明白對方要表達的意思。

所以以此為出發點，彩排與演出都是一樣的，試音的邏輯都是要讓自己聽得舒服，才會有之後彩排與演出的意義。

但大家有時會困惑的原因有兩者

A. 自己的角色分不太清楚 這點是大家最常犯的錯誤，要知道邏輯上觀眾的聆聽體驗其實不是演出者的責任，那是外場的工作。假如有些比較克難的場合，像是爵士酒吧或是小的展演場地，那也會是演出者「兼任」外場。即便如此，外場與內場（演出者）依然是兩回事，自己要明白角色定位的差別。

所以演出時，對於演出者來說，內場依然最重要，自己要先聽得舒服，演得開心，演出內容才會好看，要知道這是最優先的，再來才是外場。

比較技術層面問題是，假如因為音場問題，外場的聲音實在需要內場配合，內場才會試著以外場角度來調整，除此之外都是以內場為優先。

B. 每個場地的監聽環境很不同

有些場地的監聽就是環境音，而有些會有地板或是耳機監聽系統。自己要習慣這三者的應用，來調整到讓自己演出最舒服的狀態。但千萬不要對外場太有主觀意見，因為內場基本上是感受不到外場的，除非你可以下去台下自己聽（鼓手很難，除非你有技師），所以還是先把台上顧好，顧好之後再問外場他們在做聲音上有沒有需要內場配合的部分，這時候再配合即可。

所以說到底，這其實是很藝術的問題。

邏輯上你想呈現的作品，應該跟舞台大小無關，這邏輯有點像是你並不會因為用手機看電影或是去電影院看電影，這個作品會有太大的不同。但用電影院看電影，藝術的確是可以呈現更多的張力與細節，這時候你就會思考是不是需要因為場地的不同，而改變編曲。

其實所謂的力道調整（鼓），對我來說都已經是編曲改變了，因為其他的樂器都會隨著鼓的力道調整而改變演奏的方式（或是音色）。

我舉兩個例子好了。

在演爵士樂的時候，對我來說爵士樂的詮釋是非常細膩的，跟舞台大小無關，所以在呈現這樣的作品時，對我來說小場跟大場我都會努力追求到讓我可以用同樣舒服的邏輯去呈現這樣的作品，這時候就算我在台中爵士音樂節的場合，我也不會特別改變我的演奏方式來配合舞台，而是舞台來配合我們的作品放大給觀眾聆聽。

但反過來，像我之前做八三夭，大大小小場合都有，那我就會特別改變我的演奏內容來配合不同場合。也許可以這樣說，我都是追求張力極大化，那小場會有他的音場限制，所以就算我把張力逼到緊繃，那也是會鎖在一個音量內，但假如是大的演出場合，場地可以把張力無限上綱，那我就會準備 22" 或是 24" 的大鼓來把張力往上堆疊，銅鈸也會選擇更炸裂的系列來演奏。

所以最後回來針對你的問題。

1. 要知道是團員還是外場還是觀眾覺得你 punch 不夠，假如是觀眾，那就請外場去調整即可；假如是團員，那就是編曲內容了，基本上你團員會期待你在大的場合，演奏詮釋上可以再更激進一點，但也有可能會是因為器材，也許你該選 punch 大的器材；假如是外場，那就是混音或是收音問題，好好請外場闡述他的需求，來互相溝通調整出彼此都能夠接受的結果。

2. 就問你自己的內心還有耳朵吧，他們會幫助你達到平衡的。

以上

我大致上看了一下

第一，你的場地基本上沒有任何吸音，就是個大會堂，不管你有沒有收音，基本上聽起來都像在廁所演奏一樣，糊成一片

第二，你的擦片是屬於刺耳高頻比較多的音色，把它們聲音放大後.. 不僅糊成一片，還很刺耳

第三，你的 OVERHEAD 不是電容麥克風，本來就比較少人拿來收擦片，聲音不會是你想像的樣子，你那兩支反倒比較適合收軍鼓

第四，你軍鼓那個麥克風聲音收到低頻比較多，通常是拿來收通鼓，或是除非你想要多一點低頻.. 但我猜你沒有那個意思

第五，底鼓麥克風.. 也許可以進一點

第六，通鼓跟軍鼓共振是再正常不過的事了，物理就是如此，除非你要打電鼓.. 問題就解決了

第七，我人真的很好.. 以下是解決方案

我的建議

1 你那兩隻 OVERHEAD 一個收軍鼓正上方 約莫三支鼓棒的長度 一個一樣是指向軍鼓 但大概是從地通鼓的後面上面一點指過去 也是三隻鼓棒的長度

2 底鼓保留 但靠近底鼓一點

3 你原本收軍鼓那支改收地通鼓

— 以下是調音邏輯 —

先調兩隻 OVERHEAD 請人在外面聽 基本上用這兩隻調到 70% 的整體 (底鼓應該會不夠沉 正常)

再一點一點加 底鼓麥克風

這樣三隻基本上應該可以調到 90% 的整體

最後 通鼓那三隻 其實可有可無.. 假如你真的很喜歡通鼓的聲音 頂多加一點點就好 我是覺得可以不用加

假如這樣聲音還是不行 那真的沒辦法

第一，場地不對 (關鍵) 第二，器材不夠 第三，鼓本身不好聽 第四，鼓手需要非常專業.. (這種場地要會控制音量)

以上條件實在太難達成 你所想像的聲音了

我是建議找專業的音響公司來收音比較快 但效果不會太大 因為場地因素.. — 假如你連拍個手 都有環繞音效的話.. 那這場地真的無解

對了同學，關於鼓棒的手法，手腕手指如何施力等等的，我知道很多人都很想知道 "正確" 答案，或是進入一種想找到 "更正確" 答案的迷思。每個鼓手都有他們自己解讀以及歷史，而能夠玩到最後在立足在業界上的那些人，其實會發覺他們對於技巧的認知上也許出發點不同，但最後都會「殊途同歸」到達類似的結果。基本上我課程的編排有我的一套思路，很多手法我是藉由課程後面慢慢帶入更多技巧的方式，來讓大家練習到手指以及手腕的運用，只是我最初沒有說明罷了。

我舉個例來說，假如大家有在網路上做功課，一定會聽過 Moeller Technique，或是我印象中內地有人稱作 "鞭子打法?"。在我的印象中我課程內容應該沒有特別提及，因為這是一個比較 "宏觀" 的概念，也許打鼓快一年之後再去認識這個觀念會比較能夠理解，假如一開始連鼓棒怎樣拿都不太清楚，就直接講 Moeller Technique 我覺得對初學者沒有太大幫助。所以我在課程編排上就是用比較引導的方式，用好幾個月的時間慢慢帶入輕重音的概念，這時假如有練完第一季又很好學的同學，在外面得知了 Moeller Technique 就會發現，其實假如你們有好好練習完第一季，根本就已經學會 Moeller Technique 了！我只是沒有帶入這個名詞而已。

所以我想說的是，我知道很多同學很想進步，所以想找到 "更正確" 或是 "更快" 的途徑，我是建議既然你們都報名我的課程了，就請相信我的專業，以一週一到兩堂課的進度，好好的把我的教材花一年時間練完，我對我自己的教學很有信心，你們絕不會走冤枉路的！所以當你們練完第一季的時候，我反而歡迎你們去網路上看看別的鼓手的觀點，會發現，其實只是出發點不同，但其實你們也都學會了！

說實在的不是要為自己辯解，但我還是強調，寫譜的意義在於溝通編曲而不一定是照單全收。這譜所要表達的是，用 16分音符 hh 的架構（為的是把所有 subdivision 打出來）來詮釋節奏，讓大家很明確感受到歌曲的每一個拍點。礙於大家現在技巧的限制，所以我設計大家用雙手來詮釋 hh 16分音符。但假如大家手夠快，你要單左手或是單右手來詮釋都可以。

所以這份譜的重點在於，我希望大家用 16分音符的方式去呈現 16分音符 hh。只要能夠達到這個結果都是好的結果。

當然，就根據我所示範的內容，對，我的譜是錯的。你可以糾結在這個點上，那也不錯，以後大樂團（尤其是古典樂），很需要這樣的譜務人才。但對於想走演奏的同學，我希望大家可以理解這些譜背後的意涵。譜是要跟大家溝通練習的概念，而不是死死地去看待他。要不然大家永遠就是陷在沒有譜就無法打鼓的那群一般人的思維，我相信大家就是不想變成那樣才報名這課程的。

這問題很好，可以幫助大家成長。

再來，漲五個速度降三個速度，這設定有兩個目的，給完全初學或是懶得思考的人有個可以練習的依據。要不然說實在的，對我來說就是練到任何速度（你可以試著隨機播一首歌，看能否跟上）都可以詮釋這些技巧／編曲。

第二個目的是，像是溫水煮青蛙，你速度慢慢提升，你不會太有感覺，但跳躍式的調整速度，你才會對速度的落差有感覺。

再來要練到多快算是及格？

說實在的，這答案再簡單不過。假如大家的目標是成為像我這樣一線樂手，那就是做得到一線製作人的要求你就算及格。

有個很簡單的測試，假如你喜歡劉德華，那很好，你這練習你夠打在所有劉德華的歌曲裡面，那代表這技巧應付劉德華的歌曲應該還說得過去。（當然，一切不會這麼簡單，你的演奏能力會隨著你腦袋／耳朵的進步而成長，判斷的細節也會更豐富，但不用急就是了，這是好幾年的事情）

初衷。初衷 這是能夠成為職人的關鍵，因為你對他有愛，所以有偏執，因為有偏執，質感才會出來。

保持熱情。保持熱情 玩音樂不代表你需要犧牲任何東西，但熱情通常跟現實是相牴觸的，早一點去思考是好事。 結論：可以當然很好，但不一定需要用熱情來賺錢。 當你找到方式可以維持熱情的時候，要知道熱情這東西是種感染力，威力是很強大的。

突破框架。改變不了環境，就把自己放到競爭的環境，跟比你厲害的人合作逼自己進步，放下自尊，千萬不要怕丟臉。

學習做個人。音樂是種語言，創作只是你透過音樂來抒發你對生命的感動。假如你的人生沒有故事，那會很辛苦的。音樂是一個合作的過程，要學會溝通。

回到初衷。隨時檢視自己的初衷，細心呵護熱情，那才是關鍵所在。

這倒也不一定。

做樂手的，有時還更像上班族，老闆要什麼，就給什麼。

也許你的演奏擁有自己的風格，說話擁有自己的幽默，音樂擁有自己的人格，但請記得，這只是讓老闆認識你的理由，但並不是老闆找你的原因。

老闆找你的原因在於，你有能力做出他要的內容，而不是花錢來買你的品味。

但生命有趣的地方就在於，是因為風格、幽默、人格這些特質吸引到大家，雖然大家並不是找你來用這些特質。

所以倒頭來問自己，為何玩音樂？

還記得我小時候年紀輕輕就很出鋒頭，沒別的原因，就因為能力太強、講話太嗆，當時到處樹立敵人，嗆到連學弟都看我不順眼，說我還不是靠關係。

我永遠記得當我 18 歲得獎過後，這些原本看我最不順眼的人，竟然跑過來貼我、跟我示好，我超級震驚。

得獎前後，我依然是那個講話很嗆的我，我依然是原本打鼓的我，沒有變比較強，也沒有比較弱。所以這些掌聲是…？

18 歲之後認清了，這些掌聲，不過是身外之物、別人的形容詞。

我並不活在別人的形容詞，反而是看盡世間紅塵般地觀察人間百態。

看，因為你的成長之後，這些形容詞的變化，其實真的很有趣。大家可以記在心上，然後過些年回來想一下當年別人怎樣形容自己的，現在又是怎樣形容自己的。我猜，你們也會開始看淡紅塵了，哈哈。

所以，各位同學，為何玩音樂？或是堅持在音樂這道路上？永遠別忘了初衷，那才是支持你一輩子走下去的理由。

金錢、名聲、地位，那些都是附加的，是因為你很喜歡你現在的自己所帶來的紅利。但別去追求這些附加的紅利，那是空的。去努力成為一個更好的自己，相信你們會走得更踏實。

加油！

當你進入一線樂手的行列時 演出的費用 從來都不是秘密，但在此之前 還是專注在音樂上吧。

假如是因為在意未來的發展性，我可以放心跟同學說 只要你夠專業 收入永遠都不是問題，反而你只需要時時檢視自己自己夠不夠專業。

專業就是專業，你並不會因為跟劉德華演出所以變得比較專業，而跟袁婭維演出就比較不專業。既然是提供類似的專業 那我收取的費用都是差不多的，跟對象無關 而是跟工作內容有關。

很多人做事都很在意結果，在還沒開始前 就在算計報酬，所以人生大部分時間都花在計算了。這件事情本身沒有對錯，但假如你還年輕 我建議是別算了，去多嘗試 多體驗人生 去找尋你的熱情所在。

我在外面走跳這麼久 看了這麼多人，真的 行行出狀元 只要你夠專業 收入永遠都不是問題，但要能夠真正培養出專業 那得需要背後支持你堅持下去的熱情，唯有熱情 才能夠從學習當中成為專業 進而昇華成藝術。

專業 不代表學歷 考級 認證。假如你擁有了專業 文憑等的也不過是附加價值 有或沒有 並不會影響你價值，但沒有專業 再多的文憑 也不過是在掩飾自己沒有專業的事實。

所以 關鍵還是在專業，有了專業 該來的自然都會來了。